Il bianco e il nero #22: I cent'anni dello studio system

Cento volte Paramount, poster celebrativo.

"I regret the passing of the studio system. I was very appreciative of it because I had no talent." Lucille Ball.

Quest'anno, esattamente l'8 maggio e il 7 giugno, due colossi del cinema sono diventati centenari. Un traguardo, per molti,  irraggiungibile, se si pensa soprattutto a quante cose possono cambiare nell'arco di un secolo, figuriamoci il 20esimo secolo e figuriamoci nel mondo rocambolesco del cinema. Un traguardo che denota la presenza assidua e costante di questi due "nonnetti" fin dagli albori, fin da quando il cinema era ancora in fasce e molti storcevano il naso o non ci credevano poi tanto.

I due in questione sono la Paramount pictures e la Universal pictures. Nell'arco della loro sterminata carriera ci hanno fatto sognare e ci hanno regalato film, registi, attori e storie che non dimenticheremo mai. In questa puntata vorrei quindi fare un viaggio nel tempo, a quegli anni di incredibile innovazione e sviluppo dell'industria che portarono il cinema alla dimensione che conosciamo oggi con l'invenzione dello studio system.

*We have to go back.
Torniamo quindi al 1905 circa. Il mondo non aveva ancora conosciuto nessun conflitto globale, la penicillina ancora non era stata scoperta e il cinema era ancora una cosa nebulosa, difficile da inquadrare. Prima di questo periodo l'andamento dell'industria cinematografica era stato fluttuante. Nato nel 1896, il cinema rimaneva un esperimento, un gioco, un'attrazione. Nessuno gli dava troppa fiducia e nessun produttore/inventore tendeva a spenderci troppo. Ma grazie a un nuovo tipo di proiezione, che permetteva a più persone, in una grande sala di vedere la stessa cosa, invece di proiezioni singole, gli introiti iniziavano a crescere e il business a trovare persone interessate.
Tuttavia la "distribuzione" cinematografica funzionava ancora in maniera assai complicata e ottusa, se paragonata, non dico ai tempi nostri, ma anche solo a qualche anno dopo. I produttori vendevano le copie delle loro pellicole direttamente ai gestori di sale e teatri (o a volte di magazzini affittati per creare una piccola sala momentanea) e questi, dato che il prezzo delle pellicole era piuttosto alto e siccome non c'era una quantità tale da permettere una certa varietà, dovevano mostrare e rimostrare lo stesso film.
Nel 1905, con l'espansione dell'industria, le cose tendono a cambiare. Serve una struttura, una produzione che riesca a soddisfare la crescente domanda e delle sale vere e proprie adibite al cinema, non improvvisate. Questo portò a cambiare lo stesso cinema, come media. Nacquero così film di maggiore durata, ogni scena veniva composta da più inquadrature, la narrazione diventava più comprensibile e le storie più complicate. Forse in nessun altro periodo della storia del cinema si è assistito ad altrettanti cambiamenti nelle caratteristiche formali e stilistiche di questo mezzo.

*L'America invasa.

Il re indiscusso del cinema in America era Thomas Alva Edison, l'inventore di qualsiasi cosa. Dal caratterino difficile, tendeva a fare causa a chiunque provasse a cimentarsi con il cinema, ad usare una sua invenzione o addirittura a inventare una variazione sul suo modello. Per questo ed altri motivi, l'industria americana era rimasta un pò indietro ed inoltre tendeva a produrre solo per il mercato interno, e quindi a non esportare.

Se in quel periodo avreste voluto andare al cinema lo avreste trovavato infestato di film europei. A dominare il mercato erano principalmente tre nazioni: la Francia, con i due colossi Gaumont e Pathè, capaci di produrre già prodotti di tutti i generi (documentari, trucchi, storici) e di aprire nuovi teatri di posa negli Stati Uniti, in Italia e in Russia; l'Italia con la Cines, specializzata in film d'arte e in comiche; la Danimarca con la Nordisk.

Sembra strano pensarlo, oggi con una Hollywood così dominante, ma allora l'America stava alla finestra. Dopotutto non era la principale potenza economica quale è oggi e quale sarà da dopo il primo conflitto mondiale in poi, quando tutte le industrie europee dovettero vedersela con le conseguenze di una guerra combattuta sul proprio terreno. Coincidenza vuole che proprio nel periodo pre 1914, i produttori, distributori e gestori delle sale americane tentatorono di dare un pò di stabilità alla confusa situazione dell'industria cinematografica.

La collina dei papaveri di Goro Miyazaki

Nelle sale italiane solo il 6 novembre.

Anni 60, un piccolo paesino marittimo nei pressi di Yokohama. Umi 'Mer' Matsuzaki è una ragazzina di 16 anni che gestisce quasi da sola un bed and breakfast ricavato dalla sua grande casa. Il padre, marinaio, è morto in mare durante la guerra di Korea, mentre la madre, professoressa universitaria, raramente è a casa. Perciò le tre ospiti, i fratelli e la nonna dipendono da lei. Ovviamente va anche a scuola, dove è una alunna modello. Insomma è perfetta, se ci mettete poi che è pure carina e come tutti i suoi familiari e amici parla seguendo le regole dell'accademia della crusca (spero sia un doppiaggio italiano un pò troppo zelante). Un giorno a scuola incontra Shun Kazama di un anno più vecchio di lei. Shun contribuisce al giornalino locale e arriva ogni giorno a scuola via nave, su un peschereccio del babbo. Entrambi sono tanto perfettini che ovviamente scatta la scintilla. Più si conoscono però e più scoprono una certa cosa del passato che potrebbe scongiurare per sempre un rapporto amoroso tra i due. E qui mi fermo perchè non voglio dire altro, anche se siamo solo a metà film.

A cinque anni da I racconti di Terramare (forse ingiustamente o eccessivamente criticato) il talentuoso figlio d'arte Goro Miyazaki ci riprova questa volta con la trasposizione del manga omonimo scritto da Tetsurō Sayama e disegnato da Chizuru Takahashi e questa volta il risultato dovrebbe soddisfare se non tutti, quasi tutti soprattutto quelli che non devono per forza fare un paragone con i lavori del padre.

Inutile perdere tempo nel ribadire ancora una volta quanto l'animazione dello studio Ghibli abbia raggiunto vette inimmaginabili fino, anche solo, dieci anni fà. Inutile solo perchè è ripetitivo, ma è obbligatorio per ogni pellicola che sfornano. La dovizia dei particolari, la cura e i movimenti così fluidi e spontanei fanno si che queste opere di animazioni siano una gioia totale per gli occhi. E fa ancor più piacere vedere che il Giappone, la patria del hi-tech e dei videogames, lavori ancora con carta e penna.

La collina dei papaveri è una storia fuori dal tempo, altro tratto distintivo dello studio. Questi piccoli paesini, questi personaggi con i loro amori, sono come ambientati in una sfera, in una palla di vetro dove tutto è perfetto. Eppure qeusta volta abbiamo una chiara collocazione temporale, correlata da tanti piccoli riferimenti alla storia giapponese di metà secolo. Insomma, lontana dai mondi fiabeschi di Hayao, ma comunque immersa in un'atmosfera magica identica.

A proposito di atmosfera e anni 60, è impossibile vedere il film e non avere la sensazione di stare guardando un classico romanticone anni 50-60 di Hollywood. Un lavoro sopraffino è stato fatto per ricreare non solo visivamente quell'epoca ma restituirla davvero come una realtà virtuale. Le musiche (c'è chi si lamenta dell'assenza di Hisahishi, ma il lavoro scolto qui è formidabile seppur privo del suo tocco), i giri in bici, le camminate con l'ombrello sotto la pioggia, le feste in famiglia, le frasi spezzate. Esagererò ma è uno dei Ghibli con l'atmosfera migliore, ma forse sono condizionato dal mio amore per quel determinato periodo.

Passato che è tema centrale della storia e rappresentato dallo scontro di alcuni alunni, tutti membri del Quartier Latin, sulla demolizione o no della loro antiquata sede, una parte fatta di progressisti, futuristi e rottamatori, e l'altra tradizionlista, classica che vorrebbe preservarlo. Non si sta parlando solo di una sede di un club studentesco ovviamente, ma dello stesso passato di una nazione uscita da due guerre, che ha perso tante vite (anche questo è un tema centralissimo del racconto), ora pronta a rialzarsi, anzi ormai in piedi (olimpiadi in zona nel 1964) ma che non vuole e non deve comunque dimenticare.

Insomma tutto bene? Si anche se il naso si storce comunque, nonostante atmosfera, bellezza visiva etc... quando la storia prenda la solita piega positiva e felice e mi riferisco proprio al finale sia dei nostri due protagonisti che del Quartier Latin. Soprattutto per alcune incongruenze con il racconto fin lì. Difficile spiegarsi meglio senza dire troppo, dirò semplicemente che la famiglia di Shun non la conta giusta, ecco.

In definitiva un ottimo lavoro, un film d'animazione che accontenta tutti. Come il precedente Terramare, ma stavolta per altri motivi, non è adattissimo a un pubblico molto piccolo, in quanto c'è davvero poco di cui ridere (il filosofo e basta) e c'è molta sostanza. Però piacerà ai nostalgici, agli innamorati, a chi era rimasto deluso in passato e tanti altri. Dopo Hiromasa Yonebayash con Arriety, la Ghibli può dire di avere due eredi sulla rampa di lancio per sostituire il maestro Miyazaki quando vorrà riritarsi.

Se siete stati abbastanza fortunati sarete riusciti a vederlo, un film distribuito per un solo giorno e in un centinaio di sale appena. Siamo abituati noi fans della Ghibli a questo trattamento, ma per una volta non siamo di fronte a una pellicola ri distribuita nelle sale a distanza di anni e in prossimità dell'uscita del Blu Ray/DVD ma di un titolo presentato un anno appena fa al festival di Roma e che in patria ha sbancato i botteghini. Perchè si continui a fare questa distribuzione ridicola è un mistero, dato che stiamo parlando di un film con sicuro seguito, ma d'altra parte meglio un giorno e magari un giro in macchina fino alla città più vicina che non vederlo affatto. E in ogni caso c'è la pirateria, inutile poi lamentarsi.

Il bianco e il nero #21: Lo speciale Halloween mostruosamente in ritardo.

Si, è vero, era circa una settimana fa Halloween e si, avevo promesso un pezzo su un'altra cosa (sulla storia degli studios Paramount, rimandato di una settimana, per quei pochi a cui interessa), ma dopo una puntata del podcast dedicata all'orrore, dopo qualche filmaccio de paura visto in occasione della festività, sono stato contagiato e ho deciso di dedicare una puntata della rubrica all'argomento.

Non sono un appassionato del genere, soprattutto perchè ogni volta che provo a vederne uno incappo sempre in una porcata o nel migliore dei casi in una perdità di tempo. Dunque proporrò qui una semplice lista, non classifica -non mi piacciono- di film horror molto retrò, sperando così di farli conoscere a quegli spettatori giovani e sbarbati che cercano brividi d'antan.

Requisiti per entrare nella lista: devono essere in bianco e nero, nella sfera dell'horror (fra cui rientrano anche alcuni film di fantascienza, ai tempi considerati più dell'orrore che altro) e del periodo che va tra gli anni 30 e i primi anni 60. Anche se alcuni potrebbero essere considerati non idonei dai plutocrati dello stato capitale che si allisciano la barba e schioccano la lingua pensandoa  cosa fare di questo... no sto divagando, sono comunque il genere di film che guarderei il 31 ottobre e che porterei se qualcuno mi invitasse a una rassegna di filmazzi (nessuno).

Ho escluso alcune pellicole, volontariamente ma a malincuore, con le seguenti motivazioni: i classici con i mostri della Universal (Dracula, Frankenstein, Uomo lupo and co.) perchè già famosi, idem vale per altri cult (Ultimatum alla terra, La cosa da un altro pianeta, L'invasione degli ultracopri, La piccola bottega degli orrori, come si può già notare molti sono di fantascienza più che horror puri), gli Ed Wood (belli ma meritano un capitolo a parte), i Godzilla (arriverà puntata sulla saga a rigurardo) e i colorati (Blob, Pianeta proibito, anche se farò un eccezzione).

Ho cercato di dividere le mie scelte in gruppi, per organizzare meglio la lista. Spero di potervi consigliare delle vere chicche e in alcuni casi degli ottimi film che scaveranno una nicchia nel vostro cuore.

* Greetings, my friends! You are interested in the unknown. The mysterious.* 
*The unexplainable.That is why you are here.*

Skyfall di Sam Mendes

Nelle sale dal 31 ottobre.

Proprio quando sei li a darlo per morto, sconfitto, Bond si rialza e sconfigge il nemico. Sempre. Questa volta il suo avversario si chiamava crisi economica globale, capace di tagliare le gambe a un colosso storico come la Metro Goldwyn Mayer. Una saga arrivata al capitolo 22 e rivitalizzata dall'innesto Daniel Craig bloccata, a tempo indeterminato, a causa degli eccessivi costi di produzione e alla bancarotta dichiarata dallo studios. Un franchise, più che una saga, senza tempo, arrivato a un passo dalla vittoria, festeggiare i 50 anni di attività, bloccato dalla cruda realtà contemporanea.

E come al solito Bond si è rialzato, ha combattuto e ha vinto, ma nel nuovo capitolo si sentono e si vedono tutte le imponenti limitazioni che a cui ha dovuto sottostare. Meno location sparse per tutto il mondo e molte più scene in casa, dove Londra diventa protagonista, meno distruzione gratuita (bè oddio), meno spettacolo e più chiacchiera per il film con la durata maggiore di tutti.

Si inizia a Istanbul dove l'agente 007 deve recuperare un hard disk rubato contenente tutti i nomi degli agenti segreti del MI6 e i loro alter ego. Aiutato dalla collega Eve, il nostro arriva a un passo dal riappropriarsi del prezioso oggetto quando, per un malaugurato incidente/affrettato ordine viene preso in pieno da un colpo di fucile e cade da un treno in corsa, da un altezza di 50 metri circa, per piombare in un torrente. Bond è morto, viva Bond. Neanche il tempo di piangere la sua scomparsa che lo ritroviamo a Londra, un pò sbronzo ma vivo, un attacco terroristico ai danni della sede del MI6 lo riporta "alla vita". Un sedicente ex agente segreto col dente avvelenato (Thiago Rodriguez Silva, e il prossimo chi sarà? Ibraimovich? Tanto è già un mercenario) è riuscito a penetrare nel cuore dei servizi segreti e a uccidere ben otto persone. Il suo obbiettivo però è M, la cui gestione dell'intelligence britannica è messa in discussione da più fronti, in primis dal nuovo direttore, Gareth Mallory, che la vorrebbe rottamare, e dal primo ministro, la quale deve dare una risposta e un seguito alle numerose critiche piovute addosso all'organizzazione. M riassume un malconcio e arrugginito Bond per trovare chi c'è dietro l'attacco e ridare credibilità ai servizi segreti. E ovvio, anche difendere lei.

Dopo il mezzo passo falso di Quantum of solace e vinta la crisi, bisognava fare bottino pieno con il poco di cui si disponeva. La mossa più azzeccata è stata dare in mano il film a un regista, tra i migliori di nazionalità inglese e non solo, quale Sam Mendes. Quella peggiore affidare la sceneggiatura a quei brutti ceffi di Robert Wade e Neal Purvis, autori di qualche obrobrio borsnaniano.

Sembra evidente e scontato che, si, Mendes va benissimo, ma come regista inglese, per un action caciarone ma non troppo, serviva e si puntava a Christopher Nolan. Quando ha risposto picche, impegnato con un franchise tutto suo, alla EON si saranno detti "riproponiamo comunque il magico cocktail di Nolan". Un film con tanta azione ma con una solida trama e nessuno spazio per le cacchiatelle tipiche dei capitoli targati Brosnan o ancora peggio Moore. Con Casino Royale ha funzionato alla grandissima, con Quantum of solace molto meno. Per Skyfall siamo a metà strada.

Ancora una volta si decide di scegliere uno script notevole, attuale e intrigante, senza complotti globali per la conquista del mondo o senza il ritorno del datato Blofeld con la sua SPECTRE (come era stato ipotizzato più volte), ma ci si lascia andare un pò troppo. L'inizio è di grande impatto, non solo per l'ottima sequenza action fatta di inseguimenti in moto sui tetti e scazzottate in cima a un treno, ma per l'inaspettata "dipartita" del nostro agente 007. Anche il proseguio tiene alta l'attenzione e l'interesse dello spettatore. L'eroe che risorge dalle ceneri, non una novità epocale ma un interessante nuova direzione presa dalla saga.  

Poi le tappe classiche del canovaccio a cui siamo abituati: introduzione della Bond girl, qualche pestaggio, qualche salvataggio all'ultimo minuto (che è sempre motivo di grande fastidio), l'introduzione del cattivone etc... Tutto questo per quanto riguarda la prima parte. Poi subentra la seconda parte e un amarcord spassionato e prevedibile (ricordo, 50esimo anniversario) fatto di citazioni palesi e altre meno intuibili dallo spettatore meno fan accanito della saga. E poi grande finale, come al solito strascicato più del dovuto.

Troppa carne al fuoco. Come tutti i Bond fa sentire tutta la sua durata e questo non è mai un complimento trattandosi di action. Una delle pecche più grandi è che ogni benedetto film deve per forza andare a toccare le due ore e qualcosa, perdendosi il più delle volte per strada, annoiando e arrivando a un finale che non finisce più. Skyfall non è da meno, ma per motivi diversi. Come detto questa volta c'era troppo, in confronto ai capitoli precedenti.  Nota per la EON: bisogna trovare una via di mezzo e tagliare molti minuti, magari per una volta, evitando i soliti passaggi tipici di ogni capitolo, che alla lunga stufano, facendoli assomigliare tutti, fatti con lo stampino. 

Un ultima nota su Nolan. Questo Skyfall poteva benissimo chiamarsi The Dark Knight 007 Rises. Le similitudini in più passaggi tra la figura di Batman e quella di Bond si sprecano (soprattutto con l'ultimo capitolo dell'uomo pipistrello; dato per morto e ritiro dalle scene, attentati in una grande città, quella del protagonista, il ritorno del passato, un cattivo che si fa prendere volutamente per continuare il suo piano. ovvio che non parlo di plagio, essendo i due film stati scritti nello stesso periodo). In più Mendes varie volte sembra voler imitare il suo collega, nella messinscena, nelle musiche, nel clima. Nolan ha influenzato questa pellicola a tal punto da farla sembrare sua. 

L'aspetto più interessante di Skyfall è l'eterna sospensione tra passato e presente in cui il film è immerso. In una Londra contemporanea, e quindi fragile e scossa, Bond porta la battaglia finale altrove, nel passato e nello specifico il suo, privato, in modo da proteggere la sua cara città. Una nazione a cui va ricordata l'importanza dell'intelligence per la sicurezza e la protezione da quelle insidie sempre più nel nostro quotidiano. 

Non solo ci sono tanti richiami ai primi capitoli, ma c'è proprio un contrasto tra la nuova generazione e quella vecchia. Da una parte c'è M e Bond, antiquati, sorpassati, dall'altra una generazione dove i ragazzini come il nuovo Q, con un computer e in pigiama possono fare più danni che mai. Ed è l'unione tra i due e non il sopravvento di uno dei due a portare alla vittoria. Nessuno è da rottamare, anche se un notevole ricambio, dal prossimo Bond ci sarà eccome (chi ha capito , ha capito). Nessuno, compreso il franchise Bond tanto criticato, tanto imitato, tanto parodiato. Si è ripreso lo scettro, la corona, e crisi permettendo e super incassi pure, non si fermerà più. Che ci piaccia o no...

  

In definitiva un capitolo che non delude ma non esalta neanche. Tanta, troppa roba, per una durata esagerata gestita comunque in maniera discreta. Non è Casino Royale e non è, per fortuna, Quantum of solace. Se fosse stato bello quanto la title song di Adele o la Bond girl Bérénice Marlohe (forse la più breve apparizione e meno importante della storia. Per una volta è M/Judy Dench la donna protagonista) adesso potremmo benissimo dire che è il migliore della saga, ma così non è.

Moonrise Kingdom di Wes Anderson

Nelle sale italiane dal 5 dicembre 2012.

Estate 1965, New Penzance, ridente isola del New England senza strade asfaltate, durante una rappresentazione teatrale scoppia l'amore a prima vista tra Sam e Suzy, due ragazzini di 12 anni. Lei è figlia di due avvocati che gestiscono la famiglia come se vigesse un regime militare, Lui è un orfano “parcheggiato” da genitori adottivi poco amorevoli in un campo scout dove non gode di nessuna popolarità a causa dei suoi “strani” atteggiamenti. Decidono allora di scappare insieme, gettando nel caos l'intera comunità della piccola isola e scatenando una “caccia all'uomo” dai risvolti tragicomici.

Wes Anderson torna al cinema live action dopo la felicissima parentesi in animazione a passo-uno, ovvero la più grande burla che potesse tirare all'orda di critici che lo accusavano di essere scaduto nell'autoreferenzialismo dopo soli 3 film, o se preferite di girare sempre lo stesso film senza nessuno slancio creativo: nonostante qualche maligno avesse addirittura ipotizzato che il regista si fosse materializzato sul set sporadicamente durante la lavorazione del film, Fantastic Mr Fox è stato comunque un successo straordinario, un vero e proprio plebiscito di consensi, ma pur sempre “l'ennesimo film di Wes Anderson”.

Sia chiaro, chi scrive adora il cineasta americano e non ha registrato nessuno dei presunti passi falsi denunciati da altri, nemmeno il tanto vituperato Le Avventure Acquatiche di Steve Zissou o il controverso Il Treno per il Darjeeling (il mio preferito n.d.r.), ma non comprende chi a suo tempo parlò di “freschezza” riguardo la pellicola in questione: stessi douchebag (o personaggi strambi che dir si voglia), stessa famiglia disfunzionale, stessa fotografia dalle tonalità ocra, stesse carrellate, stesse inquadrature plongeè, stessi dialoghi stravaganti, stesse scenografie vintage, stessi tempi narrativi... Bastano pupazzi pelosi al posto di attori in carne ed ossa a rendere un film originale rispetto al resto della filmografia di un autore rigidamente ancorato al suo modus di fare cinema? O semplicemente brucia troppo ammettere che in passato si è esagerato nel definire "bollito" uno dei migliori cineasti del panorama odierno e di conseguenza ci si sente legittimati a usare parole a sproposito?

Bon, tolto qualche sassolino dalla scarpa, veniamo a questo Moonrise Kingdom: presentato in concorso come film d'apertura al 65° festival del cinema di Cannes, la nuova pellicola di Anderson ha riscosso consensi pressochè unanimi bissando il successo della precedente opera.
E' il film che convincerà anche i più ostinati detrattori dell'autore?
Difficile dirlo, apparentemente a un occhio distratto potrebbe sembrare il “solito Anderson”, specie sul piano formale in quanto pieno di tutti quegli elementi poco sopra elencati. Tuttavia è evidente il cambio di cifra stilistica nei momenti di intimità tra i due giovani innamorati. Moonrise Kingdom è una storia di ribellione giovanile e in quanto tale fortemente metaforica: se nei momenti “familiari” regnano le rigide carrellate e la telecamera fissa, dopo la fuga dei piccoli protagonisti lo sguardo del regista si fa più dolce, più libero e meno attento alla composizione, claustrofobico, con primi piani in netta contrapposizione alle inquadrature che sembrano voler sfruttare appieno la scenografia, tipiche di Anderson.
Il vero punto di forza sono Sam e Suzy, anche per merito delle performance dei due giovani attori, rispettivamente Jared Gilman e Kara Hayward: se si tratta di bellissimo cinema dell'infanzia è grazie sopratutto all'alchimia venutasi a creare tra i due adolescenti, alle genuine e un po' goffe effusioni che si scambiano, ai momenti di commovente tenerezza, alle stranezze che li contraddistinguono e che li rendono “diversi” agli occhi degli altri. Sarebbe però ingiusto non citare i personaggi adulti, parlare di douchebag in questo caso diventa un gentile eufemismo: i “grandi” di Moonrise Kingdom sono dei perfetti imbecilli che, illusi di fare del bene, non fanno altro che commettere errori su errori che inevitabilmente si ripercuotono sull'innocente prole; idioti ancorati al loro modo di vedere il mondo che reprimono emozioni e che rimpiangono scelte passate. Ma fortunatamente l'epifania c'è e si traduce in toccanti scene: su tutte il momento in cui i personaggi interpretati da Bruce Willis e Edward Norton prendono coscienza del triste destino che aspetta l'orfano in fuga e il finale squisitamente Nietzschiano.

Il giudizio è pienamente positivo, non sarà il film che farà ricredere chi pensa che il cinema di Wes Anderson sia giunto al capolinea già da parecchio tempo, ma se avete apprezzato Fantastic Mr- Fox un'eventuale bocciatura dovrebbe farvi considerare l'ipotesi di fare pace col cervello.
Se invece amate l'autore, acquistate pure a scatola chiusa.  

Filmbuster(d)s - Speciale Horror

Primo speciale tematico del podcast di cinema "che migliore non ce n'è". Onorate una festa (Halloween) estranea alla nostra cultura ascoltandoci e seguendo i nostri consigli per una serata da brivido.

[00:14:40]The Possession

[00:23:00]Rec 3 - Genesis
[00:40:45]V/H/S
[01:01:00]Consigli

Potete ascoltare l'episodio al link diretto al file MP3 (per scaricarlo basta cliccare col destro e poi "Salva link con nome"): Clicca qui

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Il bianco e il nero #20: Il cinema sonoro sotto la pioggia

-E' una trovata che non dura.

-Anche dell'automobile si disse così.

Dialogo sul cinema sonoro, Cantando sotto la pioggia.

Cantando sotto la pioggia non è solo, probabilmente (non amo troppo le classifiche), il miglior musical cinematografico di tutti i tempi, ma è anche una significativa lezione di storia del cinema americano.

Tra un numero musicale e l'altro racconta di un importante periodo di cambiamento all'interno dell'industria cinematografica a stelle e striscie e quindi mondiale. Il film, del 1952, quindi auguri per i 60 anni portati benissimo, racconta delle vicende di una coppia di amici,  un attore e un compositore, a cui si aggiunge poi una donna, sulla cresta dell'onda proprio quando il loro lavoro subirà una modifica epocale. Siamo nel 1927 e da poco è stato inventato il sonoro.
Volevo, se riesco, usare il film per parlare di quell'epoca e far notare tutte i piccoli riferimenti e citazione che Donen e gli sceneggiatori hanno disseminato qua e là. E poi perchè no, regalare qualche chicca del making of, dal tiranno Gene Kelly ai piedi sanguinanti di Debbie Reynolds.

Partiamo dall'inizio. Nella prima scena siamo alla prima del nuovo film dei due divi del momento Lina Lamont (Jean Hagen) e Don Lockwood (Gene Kelly), Canaglia reale (The Royal Rascal), presentato come la miglior pellicola del 1927. Come era consuetudine ai tempi, si preparava non una serata qualsiasi, ma un vero evento epocale. Tappeto rosso, l'intero Hollywood Boulevard chiuso al traffico e transennato, migliaia di fans adoranti, aerei in cielo con striscioni, altoparlanti e riflettori che illuminavano tutto a giorno. A Hollywood un film veniva presentato così. Certo ancora oggi per film importanti, in grandi città, si organizzano prime di un certo livello, ma ormai il cinema ha perso quell'attrattiva che aveva più di 80 anni fà. Dopotutto è ormai grandicello e consumato.

Ai tempi, sede della proiezione era il mitico Grauman's Chinese Theatre. Questo edificio particolarissimo, l'esterno è modellato sulla forma di una pagoda cinese e l'entrata è sorvegliata dal rilievo di un dragone e due statue di cani tipiche dell'architettura della dinastia Ming, merita che si sprechi un paio di righe a riguardo.

Deve la sua nascita a un altro particolare cinema, il Grauman's Egyptian Theatre, chiaramente questo ispirato all'epoca egizia, inaugurato nel 1922. I lavori per il collega cinese iniziarono nel 1926 e vide la luce un anno dopo, il 18 maggio 1927, per la premiere del nuovo film di Cecil B. DeMille Il re dei re. 

Grauman commissionò il lavoro su uno dei suoi terreni, il 6925 di Hollywood Blvd., alla società di architetti meyer and Holler. L'architetto sarebbe stato Raymond M. Kennedy, già autore dell'Egyptian. Partner finanziari di Grauman erano gli amici Mary Pickford e Douglas Fairbanks (due colossi del cinema muto, creatori, insieme a Charlie Chaplin della United Artists).

Proprio mentre si lavorava con malta, mattoni e cemento il nuovo teatro, nacque per puro caso uno dei simboli di Hollywood, proprio li davanti, la celeberrima Walk of Fame, ovvero le impronte dei più famosi attori impresse nel cemento fresco con la propria firma. La leggenda vuole che Norma Talmadge, un'attrice del cinema muto famosa ai tempi, oggi sconosciuta, sia finita con le scarpe dentro al cemento fresco, da li nacque l'idea di farlo fare a tutti i più grandi. Nel 1937 però Grauman disse che fu lui il primo a finirci dentro per caso e da lì gli venne l'idea. Chiamò quindi Mary Pickford, poi la Talmadge e come terzo Fairbanks. Le loro impronte sono ancora visibili oggi.

Dal 1944 al 1946 ospitò la cerimonia della consegna degli Oscar (adesso e quasi sempre al Kodak Theatre) Nel 1967 il teatro venne dichiarato monumento nazionale. Ancora oggi alcune premiere si svolgono qui, ma come detto, anche se c'è ancora molta folla, molte celebrità, molti flash, non ha più il fascino di un tempo.