Lincoln di Steven Spielberg

Nelle sale dal 24 gennaio.
Una decade e due anni orsono, due uomini hanno portato avanti un'idea semplice, concepita in libertà e dedicata all'idea che tutti gli uomini sono creati per vedere il miglior film possibile su Abraham Lincoln. Colta la citazione? Bene, particolare la storia dietro all'ultima fatica di Spielberg. Tutto è nato ben dodici anni fà quando in comunione con  Tony Kushner (suo sceneggiatore anche per Munich) cercò di portare su schermo uno dei suoi più grandi eroi, il 16esimo presidente della storia degli Stati Uniti.

Per diverse ragioni il progetto è stato via via accontonato e solo pochi mesi fa ha visto la luce. Il caso vuole che il 2012 appena passato sia stato l'anno di Lincoln, al cinema e non. C'è chi l'ha fatto diventare uno spietato killer di zombie o di vampiri, e chi, come Obama (democratico, mentre l'onesto Abe era repubblicano), ha citato diversi suoi celebri discorsi per portarsi a casa la rielezione. Senza dimenticare il fortunato The conspirator di Robert Redford (2011) che trattava del processo seguente all'assassinio per mano di John Wilkies Booth.

Spielberg si affida quindi a Kushner che predilige la via del biopic non completo, tanto di moda ultimamente ed effettivamente la miglior maniera per trattare una figura storica. Usando come base -una parte- del librone  Team of Rivals: The Political Genius of Abraham Lincoln (del premio Pulitzer Doris Kearns) racconta dei quattro mesi tra la rielezione di Abe, i suoi vincenti tentativi di promulgare il 13esimo emendamento, quello sull'abolizione della schiavitù, la conclusione della guerra civile e la sua nefasta dipartita al Ford Theatre di Washington. Quattro mesi, i più importanti della vita e della carriera politica dell'ex avvocato del Illinois, che usò il suo grande potere, derivato anche dalla vittoria della guerra, per porre fine alla schiavitù, causa della divisione. La sua grande sfida non era solo quella di far passare un emendamento che rendeva uguali cittadini di diversa razza -diversa da quella bianca-, ma di farlo passare entro la fine del conflitto, ovvero prima che i sudisti tornassero nei loro seggi e bloccasero tutto.

L'inizio di Lincoln è il più traviante possibile. Ci ritroviamo di colpo nel bel mezzo di una battaglia. 1865, gennaio, la guerra civile americana è quasi giunta al termine, il sud è stremato e al nord basta conquistare poche singole roccaforti per chiudere la partita. Spielberg apre con un frammento di una battaglia. Il fango, lo scontro corpo a corpo fatto di coltelli e baionette che si conficcano nella carne. Lo schermo è totalmente coperto da una coreografia impregnata di morte e violenza. 

Ma il regista di Salvate il soldato Ryan la chiude qua. Per lui la guerra finisce con quella scena, perchè il tipo di battaglia centrale nel film è di tipo verbale. Nella piena tradizione delle più acclamate e premiate serie americane -da West Wing a il nuovo Newsroom- Lincoln vive di parole, di attori, di dialoghi e di una sceneggiatura poderosa, più vicina a un libro di testo universitario che a un prodotto commerciale.

Eliminati -dalla scena- i soldati, prendono la parola i politici che dibattono inferociti seduti ad un tavolo coinvolgendo lo spettatore in un turbinio capace di far girare la testa. E' un vero uragano a cui si fa fatica stare dietro ma una volta passato quell'inizio complicato, il film prende slancio e appassiona sempre più -nei limiti di un soggetto politico.

Almeno dal mio punto di vista, è parecchio interessante vedere come funzionava il teatrino della politica a quell'epoca, come i repubblicani erano più progressisti e i democratici più retrogradi -mentre ora è l'esatto contrario, si vede che qualcuno si è evoluto e qualcun'altro no- o come Lincoln ottenne quei voti tanto importanti -corruppe pesantemente alcuni deputati, ma Spielberg non lo nega di certo, dopotutto il fine giustifica i mezzi e il fine questa volta era di una certa importanza- o ancora la divertente corsa dei segretari del presidente dal senato fino alla Casa Bianca (ah, la politica prima dei social network!). Un viaggio frastornante all'interno della politica degno del Tempesta su Washington di Otto Premingher.

Protagonista è chiaramente il presidente che tuttavia rimane su schermo per un terzo della durata del film. Tempo necessario per mostrare approfonditamente il politico e soprattutto l'uomo, il padre e il marito, attraverso i suoi discorsi ma anche i suoi interminabili aneddoti e racconti; metafore per spiegare qualcosa di più grande ma molto spesso evitate e demonizzate dai suoi collaboratori ("Oh no! Sta raccontando un altra storia! Non ne posso più, me ne vado!" grida il suo ministro della difesa). Viene fuori il ritratto di un uomo fuori da ogni epoca, testardo, abile e inflessibile.  

A proposito di questa lunghissima recensione mi viene da citare un "suo" aforisma, "Avrei potuto scrivere dei sermoni piu' corti, ma, una volta iniziato, sono troppo pigro per fermarmi".

Quello che ti aspetti da un film su un grande statista americano, progressista, che ha parzialmente pulito quella terribile macchia con cui gli americani convivono tutt'oggi, e  con Spielberg dietro la macchina da presa è che si riveli un fiume di retorica e di patriottismo grondante stelle e striscie, eppure il vecchio Steven si trattiene più che può, fino a un certo punto. Certo c'è la scenetta con i soldati multirazziali che si radunano attorno a lui -in posizione simil monumento che gli verrà poi dedicato-  e che recitano a memoria il suo discorso di Gettysburgh, certo c'è l'immagine di Lincoln papà che mette a letto il figlio con le figurine degli schiavi e certo ce ne sono tante altre simili, ma mai oltre il limite. Poi, ma glielo si perdona, si lascia andare con quel finale, e con quella camminata dinoccolata di Abe verso il suo destino e tutti gli occhi dei suoi collaboratori umidi quanto preveggenti. Spielberg si lascia andare come un fiume in piena e benchè sia commovente è anche fin troppo prevedibile.

Non posso chiudere senza un breve discorso su attori e sugli Oscar prossimi. Sebbene Daniel Day Lewis sia uno degli attori più bravi della nostra generazione e seppure interpreti un Lincoln impressionante per caratura e somiglianza, non riesco in primis a essere così colpito dalla sua performance -50% lo fa il trucco ma è un discorso che si può fare a mille ruoli, quasi sempre vincenti agli Oscar- e in secondo luogo a non pensare al suo lavoro in Gangs of New York di Scorsese. Ruoli per molti versi diversi e per tanti altri molto simili. Inoltre, se visto in italiano, Favino realizza un vero massacro con quella vocina. Per favore, fate come me e guardatelo almeno una volta in lingua originale.

Si ditinguono poi un Tommy Lee Jones imparruccato, molto buffo ma non per questo non spaventoso, Sally Fields nella parte della lunatica Mary Tood Lincoln e il sempre lodevole David Strathairn. Senza dimenticare il trio capitanato da James Spader che offre l'unica componente leggera dell'intera pellicola.

E quindi Oscar. Lincoln è il classico prodotto da Oscar sia per contenuto che per forma, ma mi sento di escluderlo da possibili larghe vittorie (12 nomination), sia perchè gli preferisco diversi dei film in lizza e sia perchè penso che l'America potrebbe credere nel piccolo Beasts of the southern wild, nel poetico La vita di Pi o nel guerreggiante Zero Dark Thirty, tanto scomodo e tanto coraggioso, che l'Academy potrebbe premiarlo.

Infine spero in Phoenix e molto meno in D.D. Lewis.

In definitiva -finalmente- Lincoln è certamente un prodotto di ottima fattura, coinvolgente sia dal punto di vista del contenuto -e qui la sceneggiatura meriterebbe un Oscar- che da quello visivo. Tuttavia l'argomento non facile, una regia buona ma non trascendentale o originale, un gruppo di attori buoni e attenti a rispecchiare i propri reali personaggi ma non così buoni da emozionare più di tanto lo spettatore, rendono il film meritevole di una visione ma non oltre quella. Rimane comunque uno dei lavori -non diretti all'enterteinment- migliori di Spielberg.

Flight di Robert Zemeckis

Nelle sale dal 24 gennaio.

Durante la fase di atterraggio del volo di linea 227 tra Orlando e Atlanta, un'avaria meccanica fa precipitare l'aereo; il comandante William “Whip” Whitaker salva la vita di 96 dei 102 passeggeri grazie a una manovra impossibile. Tuttavia, in seguito alle analisi di routine, gli vengono trovate nel sangue tracce di alcool e droga ben al di sopra di limiti imposti dalla legge. Nonostante le indagini sull'aeroplano rivelino che non ci sia correlazione tra lo stato di salute di Withaker e l'incidente, provocato piuttosto da un usura eccessiva di un componente e negligenze di manutenzione, la necessità di trovare un colpevole trascina il comandante in una lotta legale per dimostrare la propria innocenza.

Robert Zemeckis torna al cinema live action dopo la sfortunata esperienza della sua casa di produzione, la Image Movers, nel campo dell'animazione digitale; molti addetti ai lavori considerano il regista di Forrest Gump un grande innovatore, specie per quanto riguarda la sperimentazione nel campo della tecnica della Performance Capture. Dispiace constatare però che tale spirito pionieristico non si sia mai tradotto in pellicole di qualità: personalmente dei tre film in questione salvo giusto Beowulf che ho rivalutato di recente; gli altri due, A Christmas Carol e Polar Express sono noiose demo tecniche prive di mordente. Il flop disastroso di Milo su Marte ha costretto l'azienda a tornare sui propri passi e ad accantonare momentaneamente i progetti d'animazione.
Chi scrive da sempre subisce la fascinazione della maniera di narrare una storia a là Spielberg, ed è innegabile che Zemeckis abbia costruito il suo stile su queste basi, lo si può constatare su più livelli: tuttavia, è proprio da ammiratore che dopo 40 anni e passa di storie raccontare in questo modo, inizio a sentire scricchiolare qualcosa. Sia chiaro, Flight è un buon film e di solito giudico una pellicola per quello che è, non per quello che poteva essere, ma quando il potenziale dello script è così soverchiante rispetto all'esito finale non posso che immaginare quale sarebbe stato il risultato se dietro la macchina da presa ci fosse stato un regista più ardito e meno diplomatico, sia sul piano formale che su quello contenutistico.
Flight è un film neutrale che fa l'errore di mettere tutte le carte in tavola sin dalle prime battute (a voler essere cattivi, si potrebbe dire sin dal trailer...) e di non prendere in maniera decisa una posizione se non nelle battute di un finale, questo si duro e privo di melensi pietismi. Ed è un vero peccato perchè di carne al fuoco ce n'è tanta: l'intera sequenza del volo, sulla bocca di tutti, è cinema d'intrattenimento d'alta scuola, il protagonista è un interessantissimo personaggio pieno di ombre squarciate da pochi raggi di luce, le questioni morali poste sono notevoli ma l'elemento chiave, la critica alla fame  di scandali della società e alla conseguente caccia ossessiva al colpevole, è sommesso e poco efficace.

Al netto di ciò, Flight ha il pregio di non essere solo una scena spettacolare con parti noiose annesse, le abilità di grande narratore di Zemeckis si fanno sentire, specie dopo la grande abbuffata dell'incidente aereo, senza mai annoiare o deludere salvo che in un paio di sequenze legate al personaggio femminile interpretato dalla scialbissima Kelly Reilly: è evidente come il materiale politically uncorrect non sia nelle corde del regista e, sebbene non lo dia mai a vedere nel rappresentare Withaker, nel tentativo di dare un background a un personaggio secondario inutile nell'economia del film come l'eroinomane Nicole scimmiotta il Danny Boyle di Trainspotting generando sgradevoli disarmonie.

Bravo Denzel Washington, ormai abituato a personaggi del genere, bravi gli attori di supporto come Don Cheadle e il caratterista Bruce Greenwood, eccezionale al solito John Goodman negli insoliti panni di uno spacciatore new age dai modi schietti.

In definitiva Flight è un film coinvolgente e appassionante che vale il prezzo del biglietto, ma dal quale, viste le premesse, era lecito aspettarsi di più. A voler guardare il bicchiere mezzo pieno, ci si può quantomeno accontentare del ritorno di un buon narratore a un cinema, magari meno ambizioso, ma senza dubbio di qualità.

Django Unchained di Quentin Tarantino

Nelle sale dal 17 gennaio

Dopo Bastardi senza gloria, credo siano rimasti pochissimi spettatori che ancora non hanno imparato a conoscere e capire il cinema di Quentin Tarantino. Amarlo certo è un altro discorso, ma è diventato sempre più raro sentire qualcuno che scambia omaggi per plagi e si indigna davanti a scambi di battute così poco convenzionali. Certo c'è ancora qualcuno che magari a fasi alterne cede e sprofonda nella poltrona, ma sono pochi e spesso non lo ammettono. Insomma con il meritatissimo successo di Bastardi senza gloria Tarantino è stato finalmente metabolizzato dal grande pubblico, quindi non perdo tempo a ricordarvi l'importanza degli spaghetti western nella sua formazione di spettatore prima e regista poi, la conoscete già, e chi ormai lo conosce sa che quando Tarantino mette le mani su un genere cinematografico, in realtà sta facendo tutt'altro; di conseguenza saprete anche che il suo omaggio agli spaghetti western lo ha già girato, disseminato lungo tutta la sua filmografia. E Django Unchained naturalmente non costituisce l'eccezione, perché del western all'italiana veste solo gli abiti, o forse nemmeno quelli. 

L'irresistibile Christoph Waltz interpreta il Dottor King Shultz, che come tutte le leggende del far west ha un passato avvolto nel più fitto mistero. Immigrato tedesco, ex artista circense, ex dentista e ora temibilissimo cacciatore di taglie finito nel profondo sud a dare la caccia ai fratelli Brittle. Purtroppo non ha mai visto in faccia i ricercati in questione, così si rivolge allo schiavo Django (un Jamie Foxx che in quanto a glacialità non ha nulla da invidiare a Franco Nero) per poterli identificare. Oltre alla libertà, Schulz gli promette di aiutarlo a liberare sua moglie Broomhilda dalle grinfie del negriero Calvin Candie (un esplosivo Leonardo di Caprio). Così, riscosse le taglie, questo eroico e incazzatissimo Sigfrido parte alla volta di Candieland.

Lo speciale. Django: uno, nessuno e centomila.

"Django!/ Django, now your love has gone away. /Once you loved her, whoa-oh... /Now you've lost her, whoa-oh-oh-oh.../But you've lost her for-ever, Django". Louis Bacalov featuring Rocky Roberts.

Gli inglesi hanno James Bond, i giapponesi Godzilla, gli americani ...bè loro ne hanno anche troppi, i francesi hanno Angelica e molti altri, gli italiani hanno Django. Numericamente -ovvero per numero di capitoli dedicatigli- non ha rivali. Qualunque pessimo regista ci ha provato, qualunque pessimo attore o macchietta ce lo ritroverete dentro, qualsiasi pessimo sceneggiatore ha voluto dire la sua. E così Django è cresciuto e ha varcato i confini italiani per finire persino nell'estremo oriente ed oggi nell'America di Tarantino.

Quanti Django esistono? Difficile dirlo, sono come la muffa, ma in questo speciale tenteremo di ritrovarli tutti, persino i suoi cugini di terzo grado e persino quelli in cui non c'è Django.

"-E in principio fu Corbucci".

1966, in Italia è scoppiata una moda, un caso, un genere. Da ormai due anni Sergio Leone ha dato il la allo spaghetti western -facendo subito uscire i suoi film da questa denominazione-, termine dato dagli americani, ovvero il western all'italiana. E' un genere semplice; non servono molti soldi, non servono grandi attori e la sceneggiatura si può scrivere in poche ore. Eppure il pubblico ne va pazzo e ne chiede sempre più. 

Il western all'italiana è molto diverso da quello americano d'epoca, ormai antico. Effettivamente è più brutto e più sporco, meno fine ma è proprio questo il suo fascino. Però appunto, dovete dimenticare Leone e la sua trilogia del dollaro perchè dobbiamo scendere in un universo sconosciuto e tetro da cui non è facile fare ritorno, fatto di registi svogliati, paesaggi spagnoli e parecchi litigi oltre che mille versioni diverse riguardo qualsiasi scena. Ognuno ha il suo ricordo e guai dire il contrario.

A Royal Weekend di Roger Michell

Nelle sale dal 10 gennaio.

Uno dei miei buoni propositi per l'anno nuovo era quello di essere meno indulgente con i film che più prestano il fianco a critiche. Non cercare di salvare (o almeno non affossare un'intera pellicola per una singola scena o una buona prestazione di uno dei personaggi o una musica azzeccata. Tuttavia con A Royal Weekend non c'è stato nessun bisogno di sforzarsi, è stato facile scriverne male.

1939, parte alta dello stato di New York, residenza estiva del presidente degli Stati Uniti d'America Franklin Delano Roosevelt (quello con la polio, citando Juno). Stanno per arrivare in visita i reali inglesi, Re Giorgio VI e consorte, Elizabeth, per discutere di un possibile aiuto in guerra, ormai prossima, degli americani al popolo inglese. A parte questo, FDR è molto annoiato e chiama la cugina Daisy ad allietare le sue giornate. Dopo una veloce sega in un bel campo fiorito -quale romantica e toccante storia d'amore non inizia così?- i due diventano amanti, al diavolo il sangue comune, tanto sono di quinto o sesto grado e lui è il presidente degli Stati Uniti, per dio!

Solitamente questo genere di film è molto gradevole; piccole storie private, sconosciuto, di grandi personalità della storia, di modo da conoscerle meglio, da più vicino. Ecco, solitamente, perchè spesso si incappa anche in un film di questo genere, con poche cose da dire e ancora meno voglia di renderlo più appetibile. O ancora, ci si dimentica d dare un quadro più caratteristico del personaggio storico preso in considerazione e limitarsi a dire le solite banalità che tutit sanno (ogni riferimento a Marilyn è voluto).

A Royal Weekend si conclude con la frase "Dopo la morte di Daisy, a 101 anni e rotti, furono trovate sotto il suo letto diari e lettere che descrivevano il suo rapporto sentimentale on FDR", al che dici: e da tuto quel materiale avete tirato fuori solo questo? Daisy aveva scritto poco perchè pigra o perchè non c'era molto da dire? O forse semplicemente non eravate così convinti di fare una storia intera solo su loro due? Andando più a fondo si può capire come Daisy sia un personaggio davvero debole, anche a volerlo approfondire di più.

In ogni caso, dell'amore tra Daisy e il presidente rimane poco e soprattutto è condito da una fastidiosa e petulante (ammetto potrebbe essere colpa dle doppiaggio italiano) voce fuori campo che ripercorre alcuni eventi significativi. Chi è il vero protagonista del film, o meglio chi sono? I due regnanti inglesi, sia per spazio concesso loro e sia per qualità delle sequenze loro rigaurdanti.

I pezzi più divertenti -ricordiamoci, come fece il trailer, che dovrebbe essere una commedia- riguardano Giorgio VI. Idem vale per le parti dove uno dei personaggi dell'opera viene più approfondito, ed è sempre il re inglese. Infatti una delle scene meglio riuscite è il dialogo notturno tra i due capi di stato in cui il re balbuziente si lascia andare, si scioglie e ne vediamo un interessante ritratto, addirittura alla pari, se non migliore, di quello che si vede ne Il discorso del re. Però adesso basta con film su Bertie-Giorgio VI, siamo al terzo (W.E. di Madonna è l'altro).

Senza dimenticare che fa pesare tutti i suoi 95 minuti, diventando parecchio indigesto, soprattutto se paragonato a molti film di questo periodo che durano tra le due e le tre ore ma che scivolano via facilmente. Insomma caro Michell, non ne hai presa una, hai perso il tocco.

Solo per un motivo il film esce momentaneamente dall'anonimato quando tra mesi -o solo settimane- dopo la visione qualcuno ve lo nominerà: "Ma quel film con Bill Murray?". Ecco, lui è un piccolo raggio di sole in una giornata altrimenti buia (nonostante non assomigli a FDR manco da dietro). Siamo abituati a vedere Murray fare Murray, sempre, ma stavolta no. Si sofrza di fare un ruolo, di non essere il solito cinico, stronzo e svogliato uomo sui 30-40-50. Questa volta è il presidente Roosevelt, sorride, fa battute classiche e non sarcastiche. Oh, mai visto Murray non essere Murray. E poi c'è Laura Linney che detesto. Buonanotte.

Filmbuster(d)s - Episodio #20

Se siete tra i pochi eletti che sono riusciti a vedere il nuovo film di Paul Thomas Anderson, The Master, apprezzerete il dibattito in apertura di episodio. Per tutti gli altri che, come me (alexdiro), stanno rosicando è tempo di classifiche e di bilanci sul 2012 cinematografico. Benvenuti ai primi Filmbuster(d)s Movie Awards: abbiamo selezionato, categoria per categoria, i film migliori che abbiamo visto l'anno scorso nei cinema e nei festival, i vincitori però li determinerete voi rispondendo al sondaggio presente sulle pagine del nostro blog all'indirizzo  http://filmbusterds.blogspot.it/2013/01/filmbusterds-awards-vote-or-die.html








Nel 20° episodio di Filmbuster(d)s:

[00:04:20]Cloud Atlas
[00:09:35]The Master
[00:37:40]Commento sul 2012
[00:56:40]Nominations
[01:09:00]Animazione
[01:19:20]Colonna Sonora
[01:26:00]Fotografia
[01:32:00]Sceneggiatura
[01:39:35]Attore Protagonista
[01:51:20]Attrice Protagonista
[01:59:32]Regia
[02:10:48]FLOP 5
[02:29:00]TOP 5

Potete ascoltare l'episodio al link diretto al file MP3 (per scaricarlo basta cliccare col destro e poi "Salva link con nome"): Clicca qui

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Filmbusterds Awards! Vote or die

Il 2012 è finito, viva il 2012. Siamo passati indenni attraverso le profezie Maya, i mille blockbusters targati USA e i nuovi cinepanettoni camuffati da 'non-cinepanettoni'. Per fortuna c'è stata anche molta robba bella, meritevole, in alcuni casi film da annoverare tra i migliori dell'era post 2000. Ebbene, noi Filmbusterds, per festeggiare i nostri primi sei mesi e onorare l'anno appena conclusosi, abbiamo deciso di fare la classica classificona del meglio e del peggio, ma al contrario di tutti gli altri, abbiamo deciso di fare scegliere a VOI il miglior film, regista, attore etc... Noi abbiamo deciso i nominati, voi i vincitori. Let's go!

Per un approfondimento delle categorie (perchè abbiamo messo X e perchè non abbiamo messo Y, perchè questo e perchè quello)  l'ascolto della Puntata numero 20 (http://filmbusterds.blogspot.it/2013/01/filmbusterds-episodio-20.html) registrata l'8 gennaio, è propedeutico e obbligatorio.

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-Durata del sondaggio: fino al giorno 22 gennaio verso le ore 18.
-I risultati verranno annunciati nella prossima puntata, la numero 21.

Qui sotto trovate tutte le nove nomination, scrollate a gradimento.
SONDAGGIO CHIUSO (in grassetto i vincitori)