La storia dello Studio Ghibli - 1 di 3

"Alla base di ciò che vogliamo creare e che desideriamo mostrare non dovrebbe esserci qualcosa di prestabilito, dettato dalla moda. Ci dovrebbe essere qualcosa che ci portiamo dentro da sempre, è per questo che le mie idee sono così difficili da realizzare." 

- Hayao Miyazaki -

Gli inizi

Sebbene molti considerino Nausicaa della valle del vento il film d'esordio dello studio, in effetti la sua gestazione e la sua uscita nelle sale precedono almeno di un anno la fondazione e, anzi, fu proprio grazie al successo del film, tratto dal manga seriale pubblicato dalla rivista Animage, che il creatore Hayao Miyazaki e l'amico e collega Isao Takahata, in collaborazione con il gruppo editoriale Tokuma Shoten, trovarono i fondi necessari a mettere in piedi un'azienda dove avrebbero potuto muoversi nell'assoluta libertà creativa. Come molti sanno, Ghibli è il nome libico (la pronuncia corretta è gibli, in italiano Scirocco) del vento che soffia nel deserto del Sahara: fu così che vennero ribattezzati i Caproni ca.309, gli aerei da ricognizione italiani che sorvolavano la zona durante la Seconda guerra mondiale. Miyazaki, appassionato di aviazione, decise di battezzare così il proprio studio perché avrebbe simboleggiato alla perfezione l'ideale di portare qualcosa di nuovo e entusiasmante nel panorama dell'animazione giapponese. In parole povere, avrebbe soffiato un nuovo vento. E nuovo vento, effettivamente, soffiò: in Giappone si producevano sopratutto serie televisive o lungometraggi tratti da esse dal budget ridotto, che lasciavano agli autori spazi di manovra praticamente inesistenti. Studio Ghibli divenne non solo la casa di Miyazaki e Takahata, ma un rifugio sicuro anche per altri registi, magari meno conosciuti (sopratutto a causa di una distribuzione nei paesi occidentali meno capillare), come Yoshifumi Kondo (I sospiri del mio cuore), Tomomi Mochizuki, Hiroyuki Morita e i più recenti Goro Miyazaki (figlio di Hayao) e Hiromasa Yonebayashi, regista di Arrietty. Della “famiglia” fa anche parte il compositore Joe Hisahishi, autore delle colonne sonore della maggior parte delle opere dello studio nonché di moltissime pellicole del regista giapponese Takeshi Kitano. Il primo film dello Studio Ghibli, prodotto per un anno a partire da giugno del 1985 e uscito nelle sale giapponesi il 2 agosto 1986, fu Laputa - Castello nel cielo (Tenku no shiro Ryaputa) distribuito nelle sale italiane ben 26 anni dopo e per un solo giorno, il 25 aprile 2012, con il titolo Il Castello nel cielo.

Scritto e diretto da Hayao Miyazaki, il soggetto fu ispirato da una lettura giovanile del maestro, ovvero I Viaggi di Gulliver di Johnatan Swift, dove si raccontava di una città del cielo, Laputa appunto: Sheeta, una misteriosa ragazzina, è in possesso di una strana pietra che la salva da una caduta facendola fluttuare tra le braccia di Pazu, un giovane orfano che la aiuterà a fuggire dai suoi aguzzini, interessati a impossessarsi della pietra proprio per raggiungere il castello del cielo di Laputa, al fine di depredarne i leggendari tesori. Si possono già riscontrare i tratti distintivi del cinema di Miyazaki, sia dal punto di vista formale che contenutistico, fra tutti la cura per i dettagli maniacale e le influenze da culture occidentali. Le divise dei militari fanno il verso a quelle dell'esercito tedesco della prima guerra mondiale, mentre il villaggio è ispirato a un borgo del Galles che Hayao San visitò nel 1984 durante lo sciopero dei minatori: tornato a casa si dichiarò “Pieno d'ammirazione per quegli uomini che lottavano per il proprio lavoro e per la famiglia” e ammise l'intenzione di “riflettere la forza di tali comunità” nel suo prossimo film. Sul piano tematico, i macro argomenti, che tutti conoscono e che in futuro ricorreranno nella filmografia dell'autore, sono l'antimilitarismo e l'ecologismo; inoltre, è già possibile rilevare delle costanti dello stile narrativo di Miyazaki: la giovane protagonista femminile, l'amicizia con un coetaneo dell'altro sesso, l'avventura e il lavoro intesi come processo di crescita e maturazione nonché di emancipazione dal mondo dei bambini, le adorabili canaglie che finiscono per aiutare i protagonisti, l'avversione per la sete di potere umana. Sebbene il tratto e i fondali siano meno elaborati e dettagliati dei lavori più recenti, Il Castello nel cielo resta un meraviglioso esempio di animazione fantasy, immaginifico e potente, pieno di dolcezza e buoni sentimenti senza essere mai stucchevole; una pellicola che tutti dovrebbero recuperare e un ideale punto di partenza per i neofiti. In madrepatria fu un successo di pubblico, scongiurando le paure e i dubbi di Miyazaki stesso sulla sopravvivenza della propria azienda, e sopratutto di critica: ricevette infatti innumerevoli premi tra i quali il Noburo Ofuji Award ai Mainichi Film Award e il premio della rivista Animage come miglior anime dell'anno. Due anni dopo, nel 1988, Studio Ghibli si apprestava a distribuire due film che avrebbero dimostrato come la libertà di espressione e la molteplicità di stili e idee fossero dogmi incrollabili della politica aziendale.

Difficile pensare che Il Mio vicino Totoro di Miyazaki e Una Tomba per le lucciole di Isao Takahata, usciti lo stesso giorno (il 16 aprile 1988) nelle sale giapponesi, fossero entrambi prodotti della stessa factory; e invece le due pellicole furono addirittura concepite come due mediometraggi da distribuire nelle sale insieme, in una Double Feature simile all'operazione Grindhouse di Tarantino e Rodriguez. Quando infatti Miyazaki propose il soggetto di Totoro alla Tokuma Shoten, i piani alti dell'azienda risposero con un secco no; piuttosto, il direttore di Animage, Hideo Ogata propose un film luminoso ed esaltante che parlasse della vitalità dei bambini giapponesi nel dopoguerra. Nell'attesa che si trovasse un soggetto adatto all'idea di Ogata, Toshio Suzuki, produttore che nel 1991 entrerà nello Studio Ghibli, lesse un racconto semi-autobiografico di Akiyuki Nosaka intitolato Una Tomba per le lucciole, basato sulle esperienze vissute durante la Seconda guerra mondiale, e ne propose la produzione alla Tokuma che rispose di nuovo con un no. Tuttavia la casa editrice del racconto, la Shinchosha, si dimostrò interessata a trarne una pellicola d'animazione. Fu così che nacque l'idea di accompagnare al mediometraggio da 60 minuti tratto da un bestseller (il racconto vendette ben un milione e trecentomila copie) quello della stessa durata basato sul misconosciuto soggetto di Totoro. Tuttavia durante la lavorazione i film si "ingigantirono" e nacquero i due lungometraggi indipendenti che oggi tutti conosciamo. Il Mio vicino Totoro è una pellicola bucolica, minimale e spensierata in cui due piccole sorelline, Mei e Satsuki, si trasferiscono insieme al padre in una città di campagna vicina all'ospedale dove è ricoverata la madre gravemente malata. Le lunghe giornate diventano così l'occasione per scoprire la natura circostante e fare la conoscenza con una serie di strane e simpatiche creature tra le quali il Totoro, uno spirito buono che assomiglia a un incrocio tra un orso, una talpa e un procione (e che diventerà il simbolo dello studio) e il Gattobus, un autobus con il muso di gatto e dodici zampe al posto delle ruote. Il film è in parte autobiografico, infatti quando Miyazaki era bambino fu costretto a trasferirsi insieme ai fratelli per stare più vicini alla madre, malata di tubercolosi spinale; le protagoniste del film sono ragazzine perché, secondo l'autore, sarebbe stato troppo duro scrivere e dirigere una pellicola del genere con personaggi maschili che gli avrebbero inevitabilmente fatto riaffiorare ricordi dolorosi. Inizialmente la protagonista doveva essere la sola Mei, nome giapponese per indicare il mese di maggio, ma poi la produzione decise di inserire una sorellina più piccola e di chiamarla Satsuki, che è il nome in giapponese arcaico dello stesso mese.

Una tomba per le lucciole, scritto e diretto da Takahata, è invece uno dei film d'animazione più crudi, realistici e disincantati della storia del cinema. Denuncia tutta la sua spietata durezza sin dall'incipit dell'opera: a raccontare la sua storia è il fantasma di un adolescente morto di inedia per strada a Kobe il 21 settembre del 1945, fra l'indifferenza dei passanti. Tramite un flashback, Seita ci racconta di essere rimasto orfano, insieme alla sua sorellina Setsuko, durante il bombardamento aereo di Kobe nel giugno dello stesso anno e di aver dovuto sopravvivere senza l'aiuto di nessuno per mesi, fino all'epilogo che già conosciamo. Un film tremendo, che strapperebbe fiumi di lacrime a chiunque, ma anche un film che denuncia la mentalità retrograda e autolesionista della società giapponese bellica, nonché gli orrori di una guerra che non risparmia nessuno, nemmeno chi come i bambini andrebbe salvaguardato. All'uscita nelle sale il 16 aprile 1988, molte scene ancora non erano pronte e furono montate in bianco e nero; Takahata sostenne che fosse un effetto voluto, tuttavia i lavori furono terminati il 30 aprile e la versione definitiva vide luce solo successivamente in VHS. Altra piccola curiosità: i contorni dei personaggi sono colorati in marrone che, a differenza del tradizionale nero, rendono le figure più morbide e realistiche. I genitori dei bambini in lacrime, terrorizzati dalla crudeltà delle immagini di Una Tomba per le lucciole, non mancarono di protestare nei confronti di una scelta tanto infelice; ironico che senza questo film, la favola di Totoro non sarebbe mai potuta esistere. E' una delle geniali "contraddizioni" di uno dei migliori studio d'animazione della storia del cinema. [Continua...]

Articolo originariamente pubblicato sul sito www.themovieshelter.com

Re della terra selvaggia di Benh Zeitlin

Riproponiamo la recensione di Beasts of the southern wild pubblicata il 27 dicembre 2012 in vista dell'imminente uscita nelle sale italiane.

In uscita in Italia il 7 febbraio 2013.

Il film più premiato di questo uscente 2012. Ovunque sia stato invitato o abbia partecipato, ha portato a casa qualche premio. Da Cannes al Sundance, suo vero territorio di caccia, dal Deauville all'Hollywood festival fino ad essere inserito nelle top 10 annuali del British Film Institute (che gli ha anche conferito un altro premio) e dell'AFI. Non solo, è presente in quasi tutte le top 10 o top 5 dei maggiori critici oltreoceano, aspettando che anche quelli di qeusta parte del mondo lo vedano. E' ufficialmente il film dell'anno, da un certo punto di vista eppure, manca completamente ai Globe e agli Oscar (e qui tuoneranno i vari detrattori delle due manifestazioni).

In un clima del genere sono finalmente riuscito a vedere questo Beasts, ancora inedito in Italia ma già recuperabile in una copiosa versione Blu Ray. Aspettative alte, bollino Fox Searchlight come garanzia, personalissima top 5 annuale pronta ad essere aggiornata ma qualcosa è andato storto. Dunque vediamo...

Un assaggio di trama. Siamo in un futuro ipotetico/presente alternativo dove il mondo è formato da alcuni isolotti di varie dimensioni in seguito allo scioglimento dei ghiacciai. L'equatore è diventato letteralmente una enorme diga che divide il sud del mondo, povero e desolante, dal nord, industriale e ricco.

Le vicende di Beasts hanno luogo nel sud, più precisamente a Bathtub, vasca da bagno, un villaggio-comunità composta da alcuni illitterrati, poveri e socialmente inetti. Tra questi c'è Hushpuppy, l'eroina del film, un afroamericana di soli 6 anni che vive con papà Wink. Vive con per modo di dire perchè Wink non la vuole con sè, essendo malato terminale e ricordandogli lei la madre scappata proprio dopo la nascita. Un giorno la natura si ribella e un enorme inondazione spazza via tutto.

Rimangono vivi in pochi, poco prima di essere portati via da alcuni membri del "mondo del nord", in un ospedale e in una struttura per rifugiati. Qui Wink viene trattenuto per via della sau malattia, mentre Hushpuppy riesce a scappare e durante un lungo viaggio finisce forse per ritrovare la sua mamma, che tanto gli manca. E il tutto senza dimenticare gli auroch, queste belve gigantesche tornate in vita dall'ibernazione millenaria nei ghiacciai.

Opera prima del regista newyorkese trapiantato a New Orlens, Benh Zeitlin e del suo collettivo, di amici, familiari e artisti, Court 13, è una trasposizione dell'opera teatrale ad un atto di Lucy Alibar, Juicy and Delicious. Beasts of the Southern Wild (nome tratto dal poema del 1789 di William Blake, Little Blakc Boy) è un film in eterna sospensione tra favola e documentario, due elementi antitetici. Da una parte c'è una regia minimalista, artigianale, piena volutamente di imperfezioni, che traccia con un occhio critico un disegno della situazione di una certa parte del mondo. Dall'altra c'è Bathtub, gli auroch, un mondo immaginario. Nel mezzo c'è Hushpuppy, la tipica ragazzina di colore immersa in un ambiente di profonda povertà che vede e immagina un mondo tutto suo, grazie all'incredibile forza di ogni bambino della sua età. Salta subito in mente uno Sciuscià o Miracolo a Milano, il neorealismo che si fonde con una chiara analisi del tessuto sociale. Oggi lo chiamano realismo magico, fantastico.

Quello che però fà Beasts -in più- è realizzarlo tramite una metafora, un'allegoria per tutta la durata del film. Leggendo la trama non si può non pensare all'uragano Katrina, ancora di più se andando a fondo si scopre che il film è girato nella Lousiana, a pochi km da New Orleans, e che Zeitlin vi si è trasferito da qualche anno.

La suddivisione in base alle possibilità economiche in fasce o zone, un mondo costretto a essere sommerso e a scomparire, il riccone che prima chiude fuori il poveraccio e poi gli tende una mano quando è agonizzante, la natura che si ribella, soffocata dall'uomo. Una visione impietosa.

E però una visione attraverso gli occhi di una bambina -e il soffocamento potrebbe essere quello del mondo adulto su quello creato dall'immaginazione fanciullesca-. Potrebbe essere tutto semplicemente un'allegoria nell'allegoria, ma mi sento molto solo nell'avallare questa tesi, quindi la lascio lì nell'aria. Tuttavia tutti questi elementi politico-sociali non sono mai enfatizzati in maniera eccessiva.

Beasts si avvale di una grammatica e di un linguaggio tutto suo. Non è narrazione classica, si tratta più di una esperienza che di una storia, di un racconto per immagini, sconfina nel campo della poesia. Perciò, e può sembrare, strano è un film difficile da comprendere, non da capire, e da godere a pieno. Questo rende i suoi risultati ancora più sorprendenti perchè al contrario dei classici film indie, non è per un pubblico generalista. E' inutile quindi lamnetarsi della mancanza di concentrazione verso certi apsetti dello svolgimento della trama, della superficilità del rapporto tra padre e figlia o di alcuni passagi in generale. E' immune quindi a una critica ragionata.

E' grezzo nella forma a nel contenuto e non potrebbe essere diversamente. Anche per questo mi fanno sorridere alcuni paragoni, non necessari, con Tree of life.

Ho avuto parecchi problemi nel dare un giudizio definitivo su questo film. Non so se mi sia piaciuto molto o mi sia dispiaciuto. Rimango in una fascia a metà tra questi due estremi. Non sono abbastanza colto o dotato di necessaria esperienza, probabilmente, per comprendere oltre una semplice analisi. E' forse il film più particolare e innovativo dell'anno -sul più poetico posso tirare fuori esempi che ho gradito di più ma forse meno poetici in senso letterario-, e proprio per queste ragioni non riesco a metterlo nella mia top X.

Se però voi siete tra quelli impazziti per il film, vi consiglio di guardare Glory at the Sea (intero su Youtube), un corto sempre di Court 13 e Zeitlin che in pratica è un Beasts prima bozza in 25 minuti. E' sempre presente la voce fuori campo di una bambina come le eccezzionali musiche e un personaggio chiave, ed anche la citazione ai Campi Elisi, una delle chicche nel finale del film. Chiudo unendomi al coro degli entusiasti della giovane Quvenzhané Wallis, che come il suo babbo filmico Dwight Henry, è alla prima esperienza recitativa.

Filmbuster(d)s - Episodio #22

Se non ci hanno denunciato per quello che abbiamo detto nell'ultimo episodio vuol dire che siamo invincibili.
E cosa fanno gli invincibili il giovedì sera dopo cena?
Parlano via skype di Lincoln di Spielberg e di Flight di Zemeckis che, per farvi qualche anticipazione, ci sono anche piaciuti sebbene con qualche riserva.

Nel 22° episodio di Filmbuster(d)s:

[00:04:10]Lincoln
[00:43:15]Flight

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Les Misérables di Tom Hooper

Nelle sale dal 31 gennaio

Da quando ho letto il romanzo qualche anno fa, ho sempre fantasticato su un adattamento cinematografico dei Miserabili in mano ad un regista di talento, qualcuno in grado di sfruttare l'enorme potenziale scenografico di un'opera così imponente. Basta pensare alle pagine sulla battaglia di Waterloo, o la descrizione della Parigi di inizio '800, sconvolta dalle sommosse e percorsa dalle barricate.

Quindi quando hanno annunciato l'adattamento diretto da Tom Hooper, che non è certo uno sprovveduto, il sogno si è avverato, almeno per qualche minuto, perché purtroppo (per me) subito dopo hanno anche specificato che si sarebbe trattato di un musical, forse l'unico genere che mi crea ancora qualche problema.

Ma passiamo alla lezione di letteratura. I Miserabili di Victor Hugo viene pubblicato nel 1862 dopo una genesi di quasi vent'anni. Ad oggi è uno dei romanzi più celebri e letti della storia, e naturalmente è stato soggetto, o più spesso vittima, di vari adattamenti cinematografici, ben dodici dal 1925 a oggi, senza contare la mini serie televisiva con Gérard Depardieu.

Il musical invece è tutta un'altra storia: la sua prima incarnazione nasce a Parigi nel 1980 con musiche di Claude-Michel Schonberg e testi di Alain Boublil. Fiutato l'affare, Cameron Mackintosh ne produce subito una versione inglese che va in scena nel West End di Londra con testi di Herbert Kretzmer. Dopo un successo enorme, lo spettacolo sbarca anche a Broadway e nel resto del mondo, portando a casa una tonnellata di Tony Awards e diventando uno dei musical più rappresentati di sempre. Lo stesso Mackintosh comincia subito a pensare ad una versione cinematografica, che dopo quasi vent'anni diventa finalmente realtà.

Looper di Rian Johnson

In sala dal 31 gennaio.

A dispetto di quanto lasci pensare il gran numero di pellicole sull'argomento, i viaggi del tempo sono una materia difficile da trattare al cinema. Sia che li si affronti con fare scanzonato come in Ritorno al Futuro che con toni più seriosi, come in Terminator, il rischio di incombere in paradossi e incoerenze assortite è sempre altissimo, ma ancor più alto è il rischio di scontentare il saputello in sala con il ditino pronto ad alzarsi alla benché minima sensazione di buchi di sceneggiatura.

Il plot di Looper è molto semplice: nel 2074 verrà scoperto e immediatamente dichiarato fuorilegge il viaggio del tempo; tuttavia, le associazioni criminali troveranno il modo di utilizzarlo per compiere omicidi altrimenti impossibilitati dai moderni strumenti di indagine, mandando indietro di 30 anni la vittima che sarà giustiziata da killer detti Looper, così chiamati perché, dopo un certo numero di omicidi si vedono recapitare il proprio io dal futuro insieme a una cospicua quantità di lingotti d'oro per vivere 30 anni da nababbi. Qualcosa va storto quando Joe lascia scappare il suo doppio invecchiato, intenzionato a uccidere il bambino che da grande diventerà lo spietato boss Rainmaker.

Il regista e sceneggiatore Rian Johnson, già autore del drammatico Brick e del caper movie inedito in italia The Brothers Bloom sapeva che, perché il giocattolo funzionasse a dovere, era fondamentale che almeno un paio di componenti fossero oliati alla perfezione: innanzitutto, le “ristrettezze economiche” imposte dal budget di produzione (30 milioni di dollari) non permettevano lo sfoggio di sfarzosi effetti speciali. Inevitabile dunque la scelta di ambientare quasi per intero il film nel “presente”, un 2044 sporco, distopico, dove il divario tra ricchezza e povertà è netto e c'è giusto qualche elemento, una moto avveniristica o un nuovo grattacielo qua e là, a suggerirci la distanza con i nostri tempi.

In tale contesto, Johnson ha la saggezza di realizzare un film d'azione ben ritmato e coinvolgente che fa il verso alla grande fantascienza, quella intelligente, che sapeva porre quesiti morali sulla realtà umana e che è andata diluendosi nel mare magnum di pellicole tutte identiche che si fregiano, senza criterio né rispetto, dell'appartenenza a un genere così nobile, mettendo in mostra mirabolanti e trasbordanti sequenze in computer grafica totalmente prive di contenuto. L'autore zittisce i sapientoni citati in apertura tramite un suggestivo espediente narrativo, che garantisce la persistenza della sospensione dell'incredulità, e sposta il focus della vicenda su questioni come il libero arbitrio e la possibilità di forgiare il proprio futuro senza condizionamenti o ancora sul fatto che gli intenti più nobili, mossi dai sentimenti più genuini e positivi come l'amore, possano tradursi in reiterate mostruosità.

Semmai vanno denunciate una certa freddezza di Nolaniana memoria, quella mancanza di trasporto e di empatia con cui il tutto viene gestito, e un didascalismo fin troppo evidente, che raggiunge il picco in una sequenza al tavolino di un bar che doveva essere una scena madre e che invece si risolve in uno spiegone lento e prolisso che fa precipitare il ritmo.

Non per colpa dei due attori protagonisti, sia chiaro: l'ottimo casting, altro elemento che doveva funzionare alla perfezione, è frutto della scelta della produzione di non mirare alla somiglianza somatica quanto piuttosto di costruirne una, reclutando due grandi attori e servendosi delle moderne tecniche di trucco prostetico. Joseph Gordon Levitt interpreta il Bruce Willis cinematografico, quello che abbiamo imparato ad amare in anni e anni di onorata carriera, senza scimmiottarlo ma mettendoci anche del proprio e rispolverando la serafica indifferenza caratteristica del personaggio interpretato in Inception. Buonissimi anche gli interpreti dei personaggi di contorno, in primis un trasandato e cattivissimo Jeff Daniels e il piccolo inquietante Pierce Gagnon, già visto nel remake de La Città verrà disturtta all'alba.

Looper è un film divertente e ben orchestrato, per merito di una regia certosina, di una sceneggiatura intelligente, che ha il coraggio di osare e che tratteggia personaggi ambigui e privi di scrupoli, e di un cast in stato di grazia. Una pellicola, basata su un'idea semplice, ben lontana dalla faciloneria della fantascienza odierna, che non lascia spazio allo sfruttamento seriale essendo perfettamente autoconclusiva, ma che soffre di momenti didascalici troppo consistenti per essere trascurabili, e che aveva fortemente bisogno di essere realizzata leggermente più di pancia che di testa. Senza dubbio sentiremo ancora parlare di Rian Johnson, un autore che ha dimostrato ampiamente di avere il talento e la poliedricità necessarie per sfondare.

The impossible di Juan Antonio Bayona

Nelle sale dal 31 gennaio.

Devo ammetterlo, partivo coi peggiori pregiudizi riguardo questo Lo imposible (titolo originale). Leggendo la trama pare evidente l'intento del film: fare piangere il più possibile, con una storia umana che ci ha toccato e sconvolto tutti, non meno di circa 9 anni fà. E di solito questi film, così trasparenti e così caricati falliscono miseramente nella loro impresa ancora prima di iniziare. Questa volta però è andata nel verso opposto ed è impossibile non commuoversi (molto o poco dipende dalla sensibilità dello spettatore) di fronte a The impossible -tiè pure il gioco di parole.

Trattasi di storia vera, natale del 2004, Thailandia. Una classica famigliola, genitori più tre figli piccoli, ha deciso di passare le vacanze invernali in un resort immerso in un vero e proprio paradiso in terra. Mare cristallino, sole cocente, bella gente e buon cibo. La sera della vigilia di natale si fanno volare delle lanterne e la mattina dopo si scartano i regali e si corre subito a provarli o a sfoggiarli. Cosa potrebbe andare male? Ti punge una medusa? Perdi la chiave della tua camera? Tuo figlio si ammala? No, molto peggio, arriva uno tsunami (ma non era nella brochure!) che rade al suolo tutto e si porta via circa 4000 persone. La nostra famigliola iniziale si trova sommersa, presa in pieno dalla potenza delle onde. Chi riuscirà a sopravvivere e quanti riusciranno a ritrovarsi dopo quell'inferno?

Il film parte come uno spot della Valtour o di una qualsiasi compagnia di viaggi. Da un momento all'altro ti aspetti che venga fuori il logo e il motto. La fotografia è pubblicitaria come anche tutto il resto. La famiglia bella e sorridente, con gli adulti che sono due pezzi della migliore produzione della razza umana. 

Poi entra in gioco la catastrofe, ed è gestita e costruita in maniera molto lodevole. Prima di tutto dal lato visivo. Vi ricordate il buono ma non eccelso tsunami digitale di Hereafter di Eastwood? Ecco, non che sia una gara, ma questo è dieci volte meglio. E' letteralmente impressionante, sia nella parte computerizzata sia in quella più reale con la ricreazione di un vero e proprio fiume in piena. In secondo luogo come viene suddivisa la storia della famiglia -niente di trascendentale ma efficace- ed ancora di più come apre una delle due, con quella formidabile sequenza di madre e figlio che si rincorrono nel bel mezzo dei mulinelli d'acqua e dei detriti trasportati, urlando.

The impossible funziona come le stesse onde che si abbatterono quel giorno, l'andamento del film segue un ciclo molto simile. Dopo la parte iniziale, comincia a piazzare una scena drammatica e molto intensa, una dietro l'altra e a distanza di una decina di minuti o meno. Ti distrugge con, ad esempio, Lucas che cerca i dispersi nell'ospedale e prende i nomi dai parenti, e poi si placa un pò, ti riattacca con la chiamata al cellulare a casa e poi ti da il tempo di asciugarti le lacrime che ancora sgorgano copiose. E fa così ancora per un paio di volte. Picco, quiete, picco, quiete.

La cosa rimarchevole è che riesce ad ogni tentativo, va a colpo sicuro. Con cose molto semplici e senza pigiare sul facile sentimentalismo o sul grido isterico o sull'eccessiva recitazione esasperata degli attori, ottiene quello che vuole.

Persino nel finale, dove si lascia andare al melenso -ma ricordatevi che è una storia vera e magari la conoscerete pure già- non crolla mai nel patetico. Unica pecca è quel rewind-ralenty-metafora, anche piuttosto lungo che viene piazzato a tradimento. Evitabile anche se d'effetto.

Certo, si storce un pò il naso a constatare che le vittime del film siano solo esseri umani di pelle bianca, ricchi e in vacanza. La tragedia è che la loro permanenza profumatamente pagata è stata messa gambe all'aria. Non c'è traccia dei thailandesi a parte nella breve scena dove la Watts è aiutata da un gruppetto di un villaggio. Loro sembrano passarsela bene. Stavano nella fanga e in casa di paglia prima, ci stanno ora. Che ce frega?  Certo ma se fai  in altro modo perdi tutta l'empatia del pubblico occidentale e addio guadagni.

In ogni caso è un'altra produzione spagnola riuscita (e questa volta pure al botteghino, complice una distribuzione world wide completa) con Bayona (conosciuto da noi per The orpahanage) a tirare le redini, capace di gestire al meglio una storia facile ma allo stesso tempo da prendere con le molle, in un tripudio di effetti speciali ottimi e con un cast internazionale di tutto rispetto. E ancora una volta viene da chiedersi perchè l'Italia non sia in grado di fare una cosa simile. Mah...certo la famiglia era spagnola ma non esistono proprio storie simili vissute da italiani? Eh ma il cinema spagnolo sta molto meglio economicamente, facile. Mica tanto, perchè gli studios dove è stata girata questa pellicola (Ciudad de la Luz), hanno chiuso poco dopo, dichiarando fallimento. Se la passano quindi bene o male come noi, ma fanno buon cinema e soprattutto lo vanno a vedere.

Essendo un film corale, gli attori adulti, e non, si spartiscono la scena equamente. Grande prova di tutti e tre i baby, tra cui spicca chiaramente Tom Holland. Ewan McGregor da il meglio di se nella scena alla stazione, per il resto è nella norma. Naomi Watts, sempre brava e coraggiosa nella scelta dei film, si porta a casa una nomination agli Oscar ma sinceramente fa poco e si vede poco, anche solo in viso. La sofferente la fa bene, ah su quello non discuto.

In definitiva The impossible/Lo imposible è un film che colpisce in pieno come un onda. Struggente e potente, emozionante e misurato (nei limiti ovvio), capace di far crollare anche la roccia più dura che si mette a visionarlo. Sorprende e riesce nonostante i suoi limpidi intenti. Se siete dalla lacrima facile, portatevi uno scatolone di clinex o propendete per altro, magari una commediola. 

Filmbuster(d)s - Episodio #21

Ci scusiamo in anticipo con tutti coloro che si sentiranno offesi per l'elogio funebre peggio riuscito della storia degli elogi funebri. Per chi avrà la forza di andare avanti, tanta roba tra cui l'annuncio dei vincitori dei Filmbuster(d)s Movie Awards 2012 e i dibattiti sui due film del momento: Django Unchained di Quentin Tarantino e Frankenweenie di Tim Burton.

Nel 21° episodio di Filmbuster(d)s:

[00:02:45]L' elogio funebre peggiore di tutti i tempi
[00:05:50]Filmbuster(d)s Movie Awards 2012

[00:20:40]Frankenweenie
[00:44:00]Django Unchained

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